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옵티컬 아트 Optical
art 즉 '시각적인 미술'의 약칭. 1960년대 미국에서 일어난
추상미술의 한 동향으로 당시 미국 화단에서 강력한 뿌리를
가지고 인기를 끌던 팝아트의 상업주의나 상징성에 대한
반동적 성격을 지니고 있다.
대표적인 작가로는 바자렐리,
앨버스(Albers, Josef) ,
라일리(Riley, Bridget) 등을
들 수 있다.
두산동아백과 사전에는 이렇게 정의하고 있다.
옵아트는 팝아트의 상업주의와 지나친
상징성에 대한 반동적 성격으로 탄생되었다. 옵아트라는
용어는 1965년 뉴욕 현대미술관에서 개최된 전시회‘감응하는
눈(The Responsive Eye)’ 이후 《타임》지에 처음 쓰였다.
이 전시회 출품작들은 평행선이나 바둑판 무늬, 동심원
같은 단순하고 반복적인 형태의 화면을 의도적으로 조작하고
명도가 같은 보색을 병렬시켜 색채의 긴장상태를 유발했다.
그 결과 관람자는 그림이 움직이는 듯한 착시를 일으키고 한 부분을
오래 바라볼 수 없게 된다.
옵아트의 한 작가는 “색과 형의 정적인 힘을 극적인 것으로
변화시켰고 동적인 심리반응을 통해 눈의 활성화를 도모”한다고
하였다. 그러나 사고의 세계와는 거의 관련이 없고 오로지
시각의 착각을 유도하여 수수께끼를 즐기는 것에 불과하다는
평가를 받았다.
옵아트의 시조는 몬드리안으로 볼 수 있으나 옵아트의 발전을
이룩한 사람은 빅토르 버서레이(Victor Vasarely)이다.
그의 대작 《직녀성》은 사각형을 형성하는 선을 구부러뜨려
거대한 서양식 장기판과도 같다. 그러나 선의 구부러뜨림은
그림 전체와 관련하여 아주 정교하게 계산되어 있고 각각의
사각형은 수축과 팽창의 착각을 불러일으키도록 그 크기를
조절하여 가장 큰 사각형은 가장 작은 사각형의 10배가
넘는다. 또 조제프 알버스(Josef Albers)는 단순한 기하학적
형태 사이의 미묘한 색채관계에 기초를 둔 작품을 발표했다.
옵아트는 구성주의적 추상미술과는 달리 사상이나
정서와는 무관하게 원근법상의 착시나 색채의 장력(張力)을
통하여 순수한 시각상의 효과를 추구한다. 그리고 빛·색·형태를
통하여 3차원적인 다이나믹한 움직임을 보여준다. 그러나
지나치게 지적이고 조직적이며 차가운 느낌을 준다. 때문에
옵아트는 인문과학보다는 자연과학에
더 가까운 예술이다. 옵아트는 당시 디자인계나
패션계에 영향을 끼쳤으나 사고와 정서를 배제한 계산된
예술로서 일반 대중으로부터 지지를 받지는 못했다.
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